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Intimidade Indecente

Dois actores enormes, um texto à altura e um sofá, é o quanto basta para termos uma incrível peça de teatro.

Intimidade Indecente é, enquadrando de forma redutora, uma comédia romântica em que acompanhamos a trajectória de um casal (Vera Holtz e Marcos Caruso) que se separa aos 50 anos de idade, e a partir daí vamos acompanhando o envelhecimento e os desencontros de ambos mais ou menos década a década, alternando entre momentos absolutamente hilariantes e outros que puxam a outro tipo de emoções.

Esse envelhecimento não é feito com os recursos de maquilhagem e de computação gráfica que facilitam a coisa no cinema; sem sequer saírem de cena e trocarem de figurino, eles fazem-no simplesmente com a postura do corpo, a alteração da voz e do comportamento. Fácil de tentar, muito difícil de fazer com a mestria com que eles o conseguem.

Já não vão muito a tempo de desfrutarem dela em Lisboa (termina segunda-feira dia 4), mas o pessoal do Porto que aproveite, que vale muito, muito a pena.

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Baixa Terapia

Baixa Terapia. Eis que quatro anos depois de o termos visto no mesmo teatro, voltamos a ter o privilégio de ver uma peça produzida e protagonizada pelo grande António Fagundes (e família “alargada”), e que está em cena no Tivoli até ao final de Outubro.

Três casais frequentam habitualmente (e em separado) sessões de terapia com uma psicóloga, mas ao chegarem ao consultório percebem que não só esta não está presente, como terão que fazer uma terapia de grupo com os restantes casais que não conhecem, seguindo as instruções preparadas pela terapeuta e deixadas em envelopes no consultório.

Inicialmente a coisa começa meio morna, mas sem nos darmos conta começa a descambar completamente e a entrar numa espiral de discussões absolutamente caóticas e que chegam a ser cruéis, de tão hilariantes; há muito, muito tempo que não me ria tanto com uma peça de teatro, e o melhor de tudo é que a peça não só sucede nessa vertente, como aborda dessa forma uma quantidade absurda de temas delicados, com direito a verdadeiro golpe de teatro no final. Obrigado, família Fagundes!

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O Principezinho

Na semana passada fomos com as crianças ver a peça da Universal Music baseada n’O Principezinho de Saint-Exupéry, que está em cena no Teatro da Trindade. A história é sobejamente conhecida e intemporal; esta encenação, além de apostar na vertente musical, joga também com uma forte componente multimédia, num cenário altamente dinâmico e com projecções de video mapping muito eficazes e fiéis ao imaginário do livro.

O espectáculo é visualmente deslumbrante e contado de forma acessível e transversal a todas as idades, só pecando em determinados momentos, na minha opinião, por algum exagero e megalomania; há uma série de “capítulos” (condensados aqui em músicas) que são apresentados de rajada sem dar o devido tempo para apreciarmos e absorvermos devidamente o que se está a passar, sendo que as partes mais tocantes acabam por ser os mais simples, sejam as conversas do principezinho com o aviador ou músicas mais introspectivas como A Rosa.

Acima de todos esses floreados está o elenco, sempre a um nível muito elevado, tanto na representação quanto nas cantorias, conforme o exemplo acima demonstra, agarrando e conquistando definitivamente o público pela valia que empregam à história.

Uma nota para os lugares do balcão lateral no Teatro Trindade: a visibilidade é terrível, especialmente para as crianças; felizmente sobraram lugares nos camarotes acima, e o staff foi suficientemente gentil para oferecer esses lugares às crianças e às mães dos nossos grupo.

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Monstro no Labirinto

Sempre tive muita curiosidade de assistir a uma ópera, e ontem proporcionou-se a oportunidade de fazê-lo, no auditório da Gulbenkian.

A ocasião foi ainda mais especial por ser uma ópera comunitária (junta coros profissionais e amadores de vários pontos do país) e por ter uma tia e um colega como parte do elenco.

Monstro no Labirinto é baseada no mito grego do Minotauro, um monstro meio touro meio homem que habitava um labirinto mandado erguer por Minos de Creta. Em vingança pela morte do seu filho às mãos dos atenienses, Minos declara guerra a Atenas e, após conseguir subjugar a ilha, ordena que de nove em nove anos seja enviado um barco de jovens para banquete do bicho. Isto até que Teseu, um herói ateniense, decide embarcar com eles tendo em vista matar o monstro.

Esta adaptação tem como pano de fundo a problemática actual dos refugiados, e vai conjugando e misturando a história com imagens desse flagelo. Surpreendeu-me imenso a afinação e a organização daquela quantidade enorme de gente (centenas, incluindo crianças), mas principalmente o impacto emocional que consegue transmitir em tão curto intervalo de tempo, entrando logo a matar e culminando com uma envolvente espectacular dos jovens a cantar à volta do público.

Penso que não seja hábito acontecerem este tipo de iniciativas em Portugal, mas assim que suceda, aconselho vivamente.

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Todos os Musicais de Chico Buarque em 90 minutos

tomdcbe90m

Tinha muita curiosidade em assistir a este espectáculo, pois assim que li o título achei que resumir todos os musicais do Chico Buarque seria um desafio extremamente difícil, e que tinha tudo para dar errado.

Não deu, mas também não deu propriamente certo. Para começar, ao contrário do que o título indica, não está presente nenhum dos musicais, mas sim algumas das suas músicas, o que é bem diferente. E no fundo é disso que se trata, de um desfilar de músicas, quase um concerto de homenagem. Há uma tentativa de ter uma história como pano de fundo, mas tão dispersa que não chega a ser um verdadeiro fio condutor.

O elenco atenua um pouco a desilusão, sendo todos bons cantores e empregando excelentes interpretações em quase todas as canções, mas depois de ver a forma arrebatadora como a Izabela Bicalho se entregou a “Gota de Água” há uns anos, fica difícil se emocionar com menos.

O espectáculo tem o mérito de ter escolhas arriscadas, com algumas canções menos conhecidas (Mambembe, Você vai me seguir, Funeral de um lavrador) e interpretações inesperadas (“O meu amor” cantado por dois homens, por exemplo), mas depois acaba por ser demasiado ambicioso e esticar a corda a nível temporal, com prolongamento e penáltis a somar aos tais 90 minutos, tornando-se muito desgastante.

Nesse aspecto do desgaste, a arena do Campo Pequeno acaba por ajudar, com cadeiras miseráveis na improvisada plateia e um frio de rachar durante todo o tempo. Mandrake Produções, agradeço e peço que tragam mais musicais, por favor, mas encaixem-nos em teatros a sério, que merecem.

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Tribos

Tribos

António Fagundes está em Portugal desde o dia 10 de Setembro com a excelente peça “Tribos”, da britânica Nina Raine.

A peça gira à volta de Billy,  um surdo que nasceu numa família dita “normal” mas absolutamente disfuncional. O patriarca é um professor reformado que tem expectativas demasiado elevadas para a família, que se reflectem em constantes (e hilariantes) discussões com a mulher, escritora frustrada, e os dois irmãos de Billy, uma cantora de ópera fracassada e um paranóico que ouve vozes.

O egocentrismo e os preconceitos do pai fazem com que se tente ignorar ao máximo a deficiência do filho, que aprende a ler lábios e a se comunicar verbalmente, e não através de língua gestual.

Tudo isso muda quando Billy conhece Sílvia, uma moça que apesar de estar ficando surda é o seu oposto: nasceu ouvinte em família de surdos, e está empenhada a levar Billy a assumir a sua condição e a aprender a se comunicar por sinais.

A peça está dividida em nove cenas, e a primeira leva-nos a pensar que não vamos perceber nada. Penso que pode ser proposital, para nos mergulhar no caos em que a família vive, e perceber que apesar de só haver um surdo, na verdade ninguém se ouve verdadeiramente.

À medida que vamos avançando vamos apreciando a evolução dos sentimentos do personagem e vendo a forma como são desconstruídos e ridicularizados os preconceitos da família, em interpretações brilhantes de toda a trupe, sem excepção.

Outro aspecto de se tirar o chapéu é que a peça foi montada em regime de cooperativa entre os actores e a equipe técnica, sem patrocínios ou apoios externos. Claro que ajuda ter um actor consagradíssimo à cabeça, mas não deixa de ser de louvar.

No final há uma conversa informal entre o elenco e a plateia, e foi interessante ver que estavam bastantes surdos no teatro, quase todos muito satisfeitos e agradecidos por verem as suas dores tão bem ilustradas (ao Domingo está lá um intérprete de língua gestual).

Recomendo absolutamente.

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Rosmersholm

Nesta peça é a primeira vez que o Gonçalo Waddington além de protagonizar, encena. É também a primeira vez que assistimos a uma peça com ele e não gostamos.

Rosmersholm é considerada uma das obras-primas de Henrik Ibsen, sendo o nome da peça tirado ao local onde ela se desenrola, uma mansão onde habita Rosmer, o antigo pastor da localidade, e Rebecca, que o ajudou a cuidar da casa e da sua mulher antes do seu suicídio. Tudo gira à volta da forma como ambos estão aprisionados ao desejo não consumado (nem referido) que sentem um pelo outro, e ao medo da loucura e da perda da fé.

A história é bastante interessante, mas o texto é maçudo e enfadonho. Não sei se é fiel ou não ao original, mas achei demasiado difícil de mastigar.

Apesar de protagonizada por bons actores, não me transmitiu grande chama (sem contar que todos eles falharam com frequência nas falas), cabendo o melhor e desempenho ao Tiago Rodrigues, que só esteve duas vezes em palco durante uns poucos minutos, mas foi o único que conseguiu despertar o público.

Para piorar, o Teatro Maria Matos está com umas cadeiras (não percebi o motivo nem se são temporárias) indignas de um estádio da terceira divisão, que me deram vontade de ir embora após 15 minutos lá sentado.

 

 

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O Ginjal

Visto que perdemos duas peças que queríamos ver ultimamente (as duas últimas do Gonçalo Waddington), ontem houve um rebuçado para compensar: fomos ver uma peça de teatro amador, na Faculdade de Ciências Médicas da UNL. O Ginjal, de Tcheckov, pelo Grupo de Teatro Miguel Torga.

Não vou fazer uma crítica habitual minuciosa das minhas nem destacar ninguém, mas posso dizer que foi uma boa surpresa. Apesar de ter sido a primeira peça de Tcheckov que vi in loco, estou mais ou menos familiarizado com a obra, e esperava uma versão mais light da coisa, mas nada disso, o pessoal entrega-se mesmo de corpo e alma a um texto que não é pêra doce, proporcionando momentos muito bem conseguidos, dadas as limitações. Não limitações de talento (que claro que existem, uns com mais outros com menos), mas de ser levado a cabo por pessoal que dá no duro nos seus regular jobs.

Isto tudo feito por mero amor à arte, mais que bonito é uma lição.

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Azul Longe Nas Colinas

Quase que me escapava falar um bocado sobre esta peça que finalmente fui ver com a mulher amada no passado sábado. Não é particularmente relevante, visto já não estar em cena, mas sabem como eu gosto de mandar a minha laracha.

Portanto, isto foi uma encenação de Beatriz Batarda sobre um texto de Dennis Potter, no Teatro Nacional D. Maria II. A peça versa sobre um grupo de crianças, com a particularidade destas serem inteiramente representadas por adultos, só sendo denunciados pela linguagem utilizada e, claro, pelas situações em que se envolvem, completamente infantis apesar da crueldade que aqui e ali despontam.

Posso começar por dizer que o texto é muito bom e não acredito que tenha perdido muito na tradução; é de muito mérito assentar toda uma narrativa em linguagem infantil e mesmo assim manter um enredo interessante. Mais meritório ainda é, dadas as cenas, que os actores não caiam em overacting, e tal também não acontece, estão todos impecáveis, sem excepção, com realce para o Dinarte Branco (que é brilhante na sua simplicidade) e para o Albano Jerónimo (que eu não conhecia e que mete nojo e cospe e baba-se muito bem).

Posto isto, e apesar de tanto mérito e de passar bem a (perversa) mensagem, para mim faltou uma pitada qualquer que fizesse com que a peça cativasse, não sabendo bem o quê. Fica pra pensar.

 

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O Senhor Puntila e o Seu Criado Matti

Hoje foi a primeira vez que vi uma peça “pura” do Berltolt Brecht (a Ópera do Malandro do Chico Buarque é inspirada na Ópera dos Três Vinténs). Não sendo uma adaptação genial, é bem conseguida, produzida, quase sempre bem representada e divertida QB.

Senhor Puntila é um fazendeiro finlandês que tem personalidade dupla: quando bêbado, é generoso e expansivo, quando tem um dos seus “ataques de sobriedade” é um crápula autoritário da pior espécie. A criadagem vai tendo que aturar os seus devaneios, sendo que a dose de leão recai sobre o motorista, Mati. Pelo meio, quando sóbrio, vai tentando casar a sua filha com um diplomata meio apaneleirado,  que desanca de cima a baixo, quando ébrio.

Em meio a divagações várias sobre embriaguez, amizade e poder, há momentos muito bons de comicidade e reflexão, e outros tantos de overacting e de adaptação manhosa. A banda-sonora é bem esgalhada pelo Mazgani, mas nem sempre as letras (que não sei se foram da sua responsabilidade) encaixam bem.

O Miguel Guilherme está mais que sabido que é bom e consagrado, e o seu ar natural de bêbado ajuda bastante; quem me surpreendeu mesmo foi o criado, Sérgio Praia, que quanto a mim rouba completamente a cena, ainda mais tendo agora googlado o seu percurso televisivo e só encontrado floribella’s e coisas do género (e não é crítica, é o que há…).

Vale a pena, até porque ainda consigo aproveitar o desconto 50% de jovem do teatro aberto, pelo menos durante mais um aninho.

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